古斯塔夫•克林姆 維基百科
由朵拉·克歐瑪斯於1914年拍攝。
古斯塔夫•克林姆(德語:Gustav Klimt,1862年7月14日-1918年2月6日,又譯古斯塔夫•克林姆)生於維也納,是一位奧地利知名象徵主義畫家。他創辦了維也納分離派,也是所謂維也納文化圈代表人物。
古斯塔夫•克林姆畫作特色在於特殊的象徵式裝飾花紋,並在畫作中大量使用性愛主題。喜歡他畫作的人稱讚有其「沉悶美感」與大膽象徵寓意,但是卻也招致不少保守派畫家的負面評價。
克林姆畫作另一特色為畫中主角大部分都是女人,主題則為「愛」、「性」、「生」與「死」的輪迴宿命。
克林姆1918年因患上西班牙型流行性感冒而身故。
早年與教育
《艾蒂兒肖像一號》,2006年以一億三千五百萬美元天價刷新拍賣紀錄。新畫廊,紐約。
克林姆生於鄰近維也納的鮑姆加登,在家中三子四女中排行老二[1]。家裡的三個兒子在幼時都展現了藝術的天分。克林姆的父親恩斯特•克林姆是名來自波西米亞的黃金雕刻匠[2],妻子安娜•克林姆則夢想從事音樂相關工作,但一直沒有實現。克林姆小時候家境一直很貧困,當時職缺稀少,移民的經濟發展十分艱苦。
1876年,克林姆獲得了前往維也納藝術工商學校(Kunstgewerbeschule)的獎學金,並在該校就讀至1883年,受訓成為一名建築學畫家[2]。當時,他崇敬一流的歷史畫家漢斯•馬卡特。克林姆欣然接受了保守主義的訓練;他早期的作品可被歸類為學院派[2]。1877年,他的兄弟恩斯特,跟隨其父的腳步,成為一位雕刻匠,亦進入該校就讀。兩兄弟與朋友法蘭茲•瑪茲曲一起工作,1880年,他們以團體「畫家集團」之名,受委託辦理了許多任務,並幫助他們的老師為維也納藝術史博物館創作壁畫[2]。克林姆以創作室內壁畫與為戒指路上大型公共建築的天花板作畫,其中包括成功的系列「寓意與象徵」(Allegories and Emblems),展開了他的職業生涯。
1880年,克林姆從皇帝弗朗茨•約瑟夫一世得到了黃金勳章,彰表他為維也納宮廷劇院的壁畫所做的貢獻[2]。克林姆也成了慕尼黑大學與維也納大學的榮譽會員。1892年,克林姆的父親與兄弟恩斯特皆逝世,克林姆必須承擔其父與兄家中的經濟責任。這次的悲劇也深深影響了克林姆的藝術理念,很快的克林姆便轉向開創了新的個人風格。1890年代早期,克林姆認識了艾蜜莉•芙洛格(Emilie Flöge),儘管他與其他女人糾纏不清,芙洛格仍成了克林姆終其一生的伴侶。他與芙洛格的關係是否只限於肉體仍是爭議不斷,但那時期的克林姆至少有了十四個小孩。[3]
維也納分離派時期
貝多芬橫飾帶畫作的一部分
1897年,克林姆等人創辦了維也納分離派(Vienna Secession),克林姆並擔任了該派的期刊《神聖之春》(Ver Sacrum)的總裁。克林姆待在分離派一直到1908年。維也納分離派的目標是提供年輕的非傳統創作者一個發表的平台,替維也納帶來外國畫家的優秀作品,並自行發行雜誌來展示團員的作品[4]。分離派聲明沒有任何宣言,也不主動鼓勵任何顯著的風格,自然主義、寫實主義與象徵主義和平共存。政府支持他們的目標,並給予公有土地的租約以建立展覽廳。分離派的象徵是雅典娜,代表著智慧、技藝、戰爭的希臘女神--克林姆於1898年畫了他的版本。
1894年,克林姆受託創作三幅畫來裝飾維也納大學大廳的天花板。完成於世紀之交時,克林姆的三幅畫:《哲學》、《醫學》與《法學》,其激進的主題與取材遭到排山倒海般的批判,被評為「色情」[5]。克林姆捨棄了傳統的寓言與象徵手法,而使用了更公然表達性慾的新穎表達方式,因此招來了更多紛擾[5]。公眾的抗議從四面八方而來--政治、美學與宗教。因此,克林姆的三幅畫並沒有被放上大廳的天花板。這是克林姆所接受的最後一個公眾任務。1945年5月,克林姆的三幅畫被黨衛隊銷毀。他的《真相》(Nuda Verita,1899)解釋了他更進一步動搖傳統的企圖。毫無掩飾的裸體紅髮女人手握著真理之鏡,上方引用了席勒風格的字體,寫著:「如果你不能以你的成就與藝術滿足所有人,那麼滿足少數人吧。滿足全部便壞。」[6]
1902年,克林姆為第十四屆維也納分離派展覽完成了《貝多芬橫飾帶》(Beethoven Frieze),展覽主題是對作曲家的褒揚,以一座不朽、色彩斑斕、馬克斯•克林格爾所製的雕塑為號召。橫飾帶只為展覽而作,克林姆以亮眼顏料將之直接畫上牆壁。展覽結束後,畫作被保留了,但直到1986年前才開始公開展出。
此時期的克林姆並不因公眾任務而局限自己。1890年代末期開始,他與芙洛格一家在阿特爾湖岸共度了一年一度的暑假,並在當地畫了許多風景畫。這些作品構成了除了圖形之外,唯一讓克林姆認真投入的風格[7]。正式而言,風景畫是以相同的精製圖樣為特徵,強調結構、有象徵意義的碎片。克林姆成功的使阿特爾湖的作品的深處扁平成為單一平面,人們相信克林姆以透過望遠鏡觀察景色的方式,創作了這些畫作。[8]
巔峰:金色時期與成功
《吻》。1907–1908。油彩,畫布。奧地利美景宮美術館。
克林姆的「金色時期」為他帶來了正面評價與成功,並被認為是克林姆的巔峰時期。克林姆此時期的作品常使用金箔,奪目的金色可於《帕拉斯•雅典娜》(1898)與《茱蒂絲一號》(1901)首次見到,金色時期最著名的作品則是《艾蒂兒肖像一號》(1907)與《吻》(1907 - 1908)。克林姆很少旅行,但皆以其美麗馬賽克鑲崁工藝聞名的威尼斯與拉文納,則很有可能是克林姆得到金色與拜占庭式畫風的靈感的旅行地點。1904年,克林姆與其他藝術家於奢華的史托克列宮,富裕比利時企業家的住家進行合作,其亦是新藝術時代最堂皇的建築物之一。克林姆負責餐廳的部分,貢獻了包括《實現》與《期望》等他最傑出的裝飾作品,他曾為此公開表示:「大概是我裝飾作品發展的巔峰了[9]。」1907年至1909年間,克林姆畫了五幅關於社會女性受包裹於軟毛中的油畫。他對女裝的喜愛,在許多芙洛格展示她所設計的服裝的照片中表露無遺。
於家中工作與放鬆的同時,克林姆通常穿著涼鞋與長外袍,並不著內衣。他的簡單生活稍像是隱居,獻身於藝術、家庭與分離主義運動之外的小事,且避免咖啡社交或與其他藝術家的交際。克林姆的聲譽常吸引許多支持者到家門來。他作畫的步驟總是經過深思熟慮,有時小心仔細,需要漫長的時間持續作畫。儘管克林姆對性十分活躍,他對風流韻事仍保持謹慎,並避免醜聞。
克林姆曾寫過一些關於他所見事物與作畫手法的事。他常寫明信片給芙洛格,但沒有寫日記的習慣。克林姆在一個被稱為「對沒有自畫像的註解」的珍罕書寫紀錄寫道:「我從來沒畫過自畫像。我對把自己當作繪畫主題,比畫其他人更缺乏興趣,而女人優先重要……。我沒什麼特別的。我是一個日復一日、日以繼夜地畫著的畫家……任何想更了解我的人……應該謹慎的看看我的畫。」[10]
畫作
《哲學》 1899-1907. Destroyed 1945
Medicine 1899-1907. Destroyed 1945
Jurisprudence 1899-1907. Destroyed 1945
Judith and the Head of Holofernes, 1901. Belvedere, Vienna
Portrait of Hermine Gallia, 1904. National Gallery, London
The Three Ages of Woman, 1905, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Rome
Danaë by Gustav Klimt, painted 1907. Private Collection, Vienna
Hope II, 1907-1908, Museum of Modern Art
Mäda Primavesi. 1912. Oil on canvas. 150 × 110 cm. Metropolitan Museum of Art, New York.
Avenue in Schloss Kammer Park, 1912. Belvedere, Vienna
Mulher sentada, (1916)
The Friends, 1916-17.
參考資料
1^ Fliedl, Gottfried,230頁,1994年。
2^ 2.0 2.1 2.2 2.3 2.4 Sabarsky,7頁。
3^ John Collins, Klimt: Modernism In The Making, Harry N. Abrams, 2001, p.99, ISBN 0-8884-718-1
4^ Frank Whitford, Klimt, Thames and Hudson, 1990. p.69.
5^ 5.0 5.1 Sabarsky, p. 9.
6^ Frank Whitford Klimt, Thames and Hudson, 1990, p.52.
7^ In recognition of his intensity, the locals called him "Waldschrat", Forest Demon. Koja, Stephan, et al.: Gustav Klimt Landscapes, page 27. Prestel, 2002.
8^ Anselm Wagner: "Klimt's Landscapes and the Telescope", Gustav Klimt Landscapes, pages 161-171. Prestel, 2002.
9^ Frank Whitford Klimt, Thames and Hudson, 1990, p.103
10^ Frank Whitford Klimt, Thames and Hudson, 1990, p.18
維也納分離派 維基百科
約瑟夫·馬里亞·歐爾布里希在1897年於奧地利所建立的分離派大樓(Secession hall)
維也納分離派(英語:Vienna Secession),又譯新藝術派,是19世紀後期至20世紀前期新藝術運動(Art Nouveau,又譯藝術革新派)在奧地利的支流。該流派反對當時相對保守的維也納學院派,並與之決裂。分離派作者作品藝術傾向、個人風格多種多樣,而且沒有明確的綱領,因此狹義上指維也納分離派組織,廣義上講是指是思想、類型相近的藝術一群。分離派涵蓋繪畫、設計、建築、裝飾等領域。
簡介
1895年,奧托·華格納(Otto Wagner)出版《現代建築》(Moderne Architektur),體現基本的分離派的思想。
1897年4月3日,古斯塔夫·克里姆特(Gustav Klimt)、約塞夫·霍夫曼(Josef Hoffman)、馬克斯·柯茲威爾(Max Kurzweil)、約瑟夫·馬里亞·歐爾布里希(Joseph Maria Olbrich)和科羅曼·莫塞爾(Koloman Moser)等人成立了維也納分離派組織,克里姆特任主席。歐爾布里希親手設計分離派標誌的展覽館。
1898年,分離派展覽館建成;出版會刊《神聖之春》,舉辦首次分離派畫展。
1900年,出版了設計期刊《室內》。分離派開始步入盛期。查爾斯·雷尼·麥金托什(Charles Rennie Mackintosh)的作品在分離派第八屆展覽中展出。
1902年,舉辦第十四屆展覽,貝多芬特展;主要展品有德國雕塑家馬克斯·克林格爾(Max Klinger)的《貝多芬雕像》,克里姆特創作的《貝多芬橫飾帶壁畫》,此次展覽遭到了反猶情緒的攻擊。
1903年,霍夫曼在銀行家的幫助下創立「維也納工作聯盟」(Wiener Werksttte),他與莫塞爾擔任藝術指導。
1904年,莫塞爾完成聖弗朗西斯·阿西西教堂(Kirche am Steinhof)的後殿嵌花和彩色玻璃窗。
1905年,克里姆特完成的《哲學》、《法學》、《醫學》壁畫委託被維也納大學拒絕。他從1897年開始接手此委託,風格發生了巨大轉變,原先的學院氣息被摒棄。此事引起批評,分離派名聲受損。同年因為觀點不同,克里姆特與科羅曼·莫塞爾等藝術家淡出維也納分離派。
1908年,歐爾布里希因白血病去世。同年,克里姆特完成代表作《吻》。
1918年,克里姆特感冒傷寒去世。華格納去世。莫塞爾去世。埃貢·席勒因流感去世。維也納分離派逐漸消亡。
1932年,維也納工作聯盟關閉。
分離派會館&新藝術風格 syhtaiwan
分離派是什麼藝術派別?新藝術風格又是什麼藝術概念?
我在維也納追尋年輕風格...........尋找青春的腳步.........
(分離派會館postcard)
要了解維也納近代藝術史,不可不知道"維也納分離派",(以下引自mook旅遊雜誌)
1897年以克林姆為首的年輕畫家、建築師、室內設計師發起所謂的"分離派運動",取名"分離派",象徵與官方的藝術家協會分道揚鑣,自外於當時社會的主流文化 -復古主義(以環形大道為代表)。
值得玩味的是,領頭的克林姆與華格納都曾經在復古主義的藝術中大放異彩,但最後仍走向顛覆過去的革新運動,
而他們所引發對藝術表現的省思繼續啟發及衝擊後進新秀。在封建守舊的帝國時期,這群忠於自我並為藝術尋找新出口的藝術家寫下一頁光彩的歷史。他們並於1898年建立分離派會館,由華格納的學生Olbrich設計,鍍金圓頂的四方形會館,為標榜新藝術"青春派藝術"的革新運動豎立起實質的標竿。在藝術表現層面上,分離派的成立及特殊的繪畫風格,受到拜占庭鑲嵌藝術影響。這類創作形式特別適用於當時壁畫的鑲嵌,他們選擇玻璃的材質,而非石頭,當玻璃受光時造成特有的反射效果,造成閃爍、多樣的變化,讓人目眩神迷,在當時被稱作"非現實的幻象"。
這棟造型特別,有別於古典建築的分離派藝術中心,專門展出分離派藝術家的創作,純白簡潔的平面及線條,彷彿烘托著金色太陽的昇起,四座方形塔樓構成的屋頂,鑲架著月桂葉金球,正面刻著創辦人的金色格言:給每個時代藝術,給藝術自由。
這正反映出當代藝術家突破傳統禁錮的思維!但當時的保守派藝術家卻戲稱這顆美麗的金球是"金色甘藍菜"!
分離派會館(The Seecession Buliding)門口上方佈滿金色的樹根及茂盛的樹葉,內部收藏著克林姆著名的作品-"貝多芬橫飾帶",1902年,分離派藝術家為慶祝分離派第14屆藝展,藝術家們決定以天才音樂家貝多芬為藝展的主題,由克林姆於大廳的三面牆繪製了34公尺壁畫,這幅壁畫目前位於會館的地下室,我們要帶著大家一睹這幅曠世鉅作!
這幅大型壁畫共有五個重點,ㄧ是"渴望幸福",以飛翔的人為象徵。二是"弱者的苦難",跪在地上的夫妻哀求著全副武裝的騎士。三是"敵對力量",畫著巨人迪飛與三個蛇髮魔女。四是飛翔的人與彈豎琴的女人,象徵詩與音樂把人帶向幸福。五是一群婦女與天使唱詩班簇擁著一對夫妻,而這就是壁畫的主旨-"貝多芬的第九號交響曲"~"快樂頌"。站在四方巨大的壁畫下,仔細端詳精緻細膩卻又充滿震撼意寓的藝術品,總算圓了此行的重要夢想,但是你可知道這裡是不能隨便照相的?我們可是獲得展場志工的老伯伯首肯下,才用內建閃光拍照的。
"渴望幸福"與"弱者的苦難"
"敵對力量"
巨人迪飛與三個蛇髮魔女
這張是postcard
妖嬌魑魅似的女郎,露出勾人的眼神 克林姆所描繪女人特別使壞!彷彿都是妖精的化身,與捷克新藝術風格畫家慕夏所畫的典雅美人截然不同!
飛翔的人與彈豎琴的女人--象徵詩與音樂把人帶向幸福。
天使唱詩班與裸體相擁的幸福夫妻
我們看不到夫妻的臉龐,但夫妻彷彿處在金色宮殿中,兩人的雙腳被藍色透明狀的紗綢緊緊纏繞,四周是環繞著歡樂祥和的祝福歌聲,透露著不可比擬的幸福感覺!我們可以感受克林姆特殊的表現手法!
以下這二張(明信片)是克林姆在維也納藝術史博物館留下的壁畫美女,細緻寫實,流露唯美女性的溫柔。
於上貝爾維迪宮收藏的克林姆美女畫作,他尤其喜歡用金色來襯托女性的魅力。
絲巾上的這幅"吻"(The Kiss),是克林姆最有名的畫作,畫中的男女主角,在瘦骨嶙峋的軀殼外,包裹著珠寶鑲嵌的長袍,享受片刻的激情與歡愉!但畫面中卻未有甜蜜溫馨的戀人情愫,反倒是隱隱呈現危機與詭譎緊張氣氛,克林姆利用情慾的主題訴說當時人們的疏離與價值,並反對當時保守右派的權威,將人類真實的情慾表露無遺,對情色加以歌頌,或許是對當世代的反動與挑戰。可是這位被譽為畫壇性感大師的克林姆,在19世紀末卻不容於當時社會及輿論,他的作品甚至被許多學院派畫家指控為色情畫!(以上評論引自mook)
卡爾廣場地鐵站也是19世紀末很重要的青春派藝術作品 大師圖奧華格納(1841~1918)用他獨創的金色向日葵裝飾地鐵站出口,這種用花草樹葉來做建築裝飾,是新藝術的代表風格,他的作品大量使用鋼筋、水泥、玻璃等便宜的建材,減少多餘的裝飾,創造空間的彈性運用,突破古典主義的設計概念,揭開了現代主義的新紀元!
年輕風格在維也納的街道裡也隨時可遇見,市場也不例外,位於維也納歷史最悠久的霍爾市場(Hpher Markt)連接兩棟建築的過廊外側,有座青銅色的安可鐘(Anker Clock),是1911年由藝術家瑪屈(Franz Matsch)設計,是世界上最長的掛鐘,是件科學與藝術結合的作品,安可鐘每日正午十二整點會有一隊歷史人物玩偶會出來表演,包括查理曼大帝、瑪莉亞泰瑞莎女皇、奧里亞斯皇帝、音樂家海頓等人,伴著管風琴音樂一個一個繞到鐘面上來遊行!是值得駐足欣賞的青春派街頭藝術品。
過廊的內側雕飾還看得到秤、獅子、蝦蟹等圖像
這三天裡的某天晚上回旅館的路上,在維也納熱鬧的街道走著走著,聽見巷內傳來吵雜的聲音,好奇心驅使下,轉進去看看。忽然眼睛ㄧ亮,這有著鮮豔奪目的美國國旗作為門面的店,不就是曾在書上看過,由魯斯(Adolf Loos)在1908年設計的美國酒吧嗎?這也是年輕風格的藝術家作品!至今一百多年仍維持當年的空間設計,可見維也納實踐了分離派的主張--給予藝術自由!
即使夜已經很深了,小小的店門口仍然門庭若市,而且還很霸道的用椅子將街道擋起,顯然是當今的路霸呀!
不過即使如此,仍然很滿足造訪了這些分離派作品,得以見識近代藝術家試圖掙脫社會主流桎梧所做的努力,在傳統古典主義的牽制裡力求創新與突破,這"給藝術自由"的思維空間,為維也納的繽紛藝術再增添一筆新銳色彩!!
http://blog.yam.com/syhtaiwan/article/29179096
情慾克林姆 Klimt 2006
導演:拉烏盧伊茲
編劇:拉烏盧伊茲 吉爾伯特阿戴爾
演員:約翰馬可維奇 Veronica Ferres 莎芙蓉布洛斯 史蒂芬迪藍
劇情簡介
眾人熟知的克林姆,首推那幅澄金誘人的畫作「吻」,然而除了賦予女性美前所未有的浪漫,克林姆獨特的藝術風格與惹人爭議的男女關係,卻遭到奧地利社會愛恨交織的對待。
本片即是以這位克林姆熾熱與放縱的一生,放情縱愛的他在當時19紀民風仍相當保守的奧地利,成了眾矢之的,影片聚焦在他頹廢荒唐的生活,片中誇張璀璨又華麗的場景,如夢似幻的服裝,呈現了克林姆繪畫的氛圍也表達出他中心唯美浪漫的世界觀,這位19世紀奧地利天材畫家的生平,除了他在藝術上的創新,也包括周旋於眾多女子間的情愛故事。
本片為2006莫斯科影展競賽片,2006柏林影展競賽片,並曾於2006年金馬影展放映,本片將重點放在藝術家微妙的心理狀態變化,完整表達出克林姆在畫中所傳達的訊息,也同時帶領觀眾走進遙遠而浪漫的帝國末日。導演在片中穿插各種事件與對話,並利用時空跳躍的非線性剪接手法,拼湊出一個更立體、更真實的克林姆,電影從克林姆臨終前的那一刻展開序幕,回顧克林姆一生對自由的捍衛與對菁英階層的扺抗,並帶出他與藝術史上另一早逝畫家席勒之間的親密友誼。
關於克林姆
克林姆(Gustav Klimt,1862-1918)是現代藝術分離派(Sessionism)的創立者。父親是個雕鏤工匠,十四歲進入工藝學校,曾經負責奧匈帝國各大戲劇院的牆面設計、南斯拉夫國家劇院的設計等重要工作,並獲得奧地利皇家頒發的勳章,以及奧匈帝國皇帝獎。 克林姆最擅長表現的題材是人體,更長於以人體表達喜怒哀樂等各種情緒。擬人化誇張華麗的手法表現出生命各階段的美麗與哀愁,呈現出各種情感的糾結與渴望。
導演-拉烏盧伊茲Raul Ruiz
1941年7月25日生於智利,原為舞台劇劇作家與導演。1960年代因支持智利左派共黨政權,被迫流亡法國,之後在國際影壇開始嶄露頭角。影片風格遊走在現實與想像之間,近年以藝術家、文學家為創作主角,之前與約翰馬可維奇合作的 《追憶似水年華》,即是描寫法國文豪普魯斯特的一生。談到本片,拉烏盧伊茲指出他並不想拍另一部《揮灑烈愛》,他找來約翰馬可維奇飾演克林姆,運鏡燦麗如畫,但情節則以細瑣的事件、對話堆砌,少了窺奇和轟轟烈烈,卻也引發了如潮的爭議。(楨:詳參【圖博館】:《追憶似水年華》《揮灑烈愛》 )
另類人物傳記片2008-04-15 王小妞
又是人物傳記片。不過這一次離人物的真實歷史估計相去甚遠。影片由一系列支離破碎的片段組成,其中有大量的虛構、幻想、誇張、甚至完全虛構的情節和人物。這可能比較符合Gustav Klimt的性格,這位奧地利重要的藝術家本身就是一個處在爭議中的人物。他的作品在當時是過分色情、抽象、虛幻、象徵性的。在他的作品中既有明亮色彩的組合拼接和變性,同時又經常伴隨著灰暗或者象徵死亡的形象。不知道這位藝術家本人是否神經上也有點不正常。
John Malkovich是非常善於表演這種另類的角色的。他不斷地和幻想的人物交談,追逐不存在的女性,在各種荒誕的場景中說著莫名其妙的話。坦白地說,本片的編劇實在過於離奇了。甚至有點神化劇的傾向。片中人物衣著華麗,場景和對白都嚴重的抽象化。觀眾被迫忍受兩個小時的各種幻想和支離破碎的情節。但是,這種混亂倒是達到了預期的效果:我看完電影以後的印象就是Klimt是一個才華橫溢、但是有嚴重幻想症的藝術家。
http://movie.douban.com/review/1353318/
空虛的華麗 2012-06-30 彌生
整個片子給我印象就是 鏡頭一直在轉啊轉啊 人們一直在大長段的說話啊說話 基本都在講克裡姆和其他人是怎麼交流的 他是如何的風流 看這個片子的中間我還睡著了
今天看了克裡姆的書,他的畫很吸引我,感覺畫裡面有很多故事,所以想看看講什麼,結果這個電影讓我失望了,影片的結尾可能是我看的版本不完整,跟影片的開頭沒有聯繫,整個片子中讓我有感覺的一個畫面是當克林姆知道自己有了一個女兒後高興地像個孩子一樣。
克林姆有這不羈的性格,對於很多事情並沒有那麼多的在乎所以這才使他在繪畫方面大膽 隨性,很多畫畫的人都有這方面的特性,活在這個世界上,正因為我們在乎的太多最後反而什麼也得不到,而那些可以放下可以不在乎的人 他們才真正擁有了世界
http://movie.douban.com/review/5486416/
《情慾克林姆》:創意迷航 文:藍祖蔚
畫家的心靈世界或許有凡人不從得見的繁花美景,但是轉化成其他藝術媒介時,還是要先確認心中真想表白的話語為何?畫家電影到底有多難演?看完《情慾克林姆》答案似乎呼之欲出了。
畫家電影的重點有二:人與畫。畫是血肉成品,人才是靈魂,作品可以彷作,可以放大;人要活靈活現,盡得神采,坦白說,有點難。
實例之一,卻爾登.希斯頓(Charlton Heston)的《萬世千秋》,前十分鐘就是他的創作回顧史,一幅作品接著一幅作品亮相,本尊現身時,多的是人物互動軼事,卻少了創作時的靈光神采。
實例之二,安東尼.霍普金斯(Anthony Hopkins)主演的《狂愛走一回》,雖然剃了頭要來演畢卡索,但是舉手投足就是不像,怎麼看,都還是在演他的漢尼拔博士。
實例之三,約翰.馬柯維奇(John Malkovich)主演的《情慾克姆林》,他最迷人的自我卻是完全消失無蹤了,既看不見他在《在雲端上的情與慾》、《魔鬼雷普利》、《伴我一世情》和《危險關係》中那種從容優雅的雅惡,也聽不見他洞悉人性,細如吐絲,卻能擊中人心的話白功力,以致於他所詮釋的世紀末裝飾畫派畫家克林姆 (Gustav Klimt)從外形、氣質到談吐,幾乎都不能帶來任何感動的力量。
安東尼.霍普金斯是萬變不離其宗,很難破除框架;約翰.馬柯維奇則是完全失去了自己,光采盡失,神韻不再,沈溺或迷失都不再有磁吸魔力,智利導演Raoul Ruiz再怎麼玩弄虛實交融與真假鏡面的技法,也是事倍而功半的。雖然,約翰.馬柯維奇的外型其實和克林姆的傳世照片非常相近,但是約翰不見了,光采也不見了。
克林姆處於二十世紀初年科技文明與藝術理論百花齊放的年代,電影中因而出現了默片時期最具實驗精神。嘗試過無數迷幻魔法的導演梅里葉(Georges M?li?s),由他展示電影奇景及皮影戲的迷離論述,以及從玻璃鏡後窺視克林姆的情節,花樣誠然繽紛,但是對克林姆有何影響?有何啟發?或者是梅里葉故布疑陣的真假萊雅的角色冒混,究竟所為何來?真是假來假似真的遊戲,圖的是什麼意境?就如同不時會在克林姆身旁神出鬼沒唱反調的小公僕,又如何來顛覆意識流動的效果?導演卻是顧左右而言他,沒有在關鍵點上完成自己的論述,表達自己的創意,以致於焦點渙散,主旨不明。
更重要的是Raoul Ruiz呈現了無數二十世紀初葉的歷史文物風情,視覺上也貼近世紀末畫風的華麗光彩,卻因為不能創造出一位讓觀眾喜愛、迷戀或痛恨的中心人物,以致於所有的華彩都像是多餘的裝飾手法,儘管黏金貼銀,主題不能發光,一切都是徒勞。
所以,一旦你看到克林姆會是把蛋糕砸抹在好發議論的藝術評論家臉上,才要讚美他像是特立獨行的藝術家一樣敢於挑戰威權,鄙視庸俗之際,卻也因為藝評家不以為忤,反而讚美起他的畫作最能表現情欲之美,他就立刻喃喃道歉,要把對方臉上和身上的蛋糕屑抹去擦掉時,這種聞惡言則怒,聞讒言則喜,看似愛恨分明,其實卻是既直接又膚淺的個性,反而讓人看扁了他,不值不齒的角色情節只會讓觀眾和人物之間距離越拉越遠,再無同情,更無喜悅了。
http://eweekly.atmovies.com.tw/Data/165/21653102/
新藝術運動風格之探討 by 簡華成
(詳參【圖博館】:《裝飾藝術鑑賞入門》 《美術工藝鑑賞入門》)
新藝術運動之起源
工業革命以後,由於機械的泛濫,促使當時的產品走向了量產化的路線,這種變化與傳統手工藝製品的不同點在於設計者與製作者再也不是同一個人。由於產品的量產,使社會大眾能買到便宜豐富的產品,卻也使粗製濫造的產品大量出現於坊間,使得藝術家們輕視機械製造的產品,進而促使威廉莫里斯(William Morris)挺身倡導美術工藝運動(The Art & Crafts Movement)在他的理想裡,認為『最好的產品只能依靠優越的手工直接處理材料才能製作成功』。由於他對中古世紀的嚮往及提倡以及對工業的厭惡,因此他所領導的美術工藝運動被認為是復古的風潮。
由於美術工藝運動的發展,在歐洲各國引起了許多的造形革新運動,這些運動,我們統稱為新藝術運動(Art Nouveau ),新藝術可說是美術工藝運動的修正和延續,包含對Morris復古運動的反對,但也承續了Morris開拓新造形的觀念,尤其是修正了對機械的態度,進而認識機械生產的功能,著重於新材料的應用與明快簡潔的結構設計,因此很快地便流行於整個歐洲,影響遍及各種工業產品、建築、家具、紡織品…等等之式樣和裝飾。
新藝術時期,出現許多鋼鐵、平板玻璃、水泥等新材料,使建築進步到鋼筋水泥,混凝土結構的階段,當時的設計家及從事創作設計的人,面臨到新材料和新技術的誕生,一致認為新時代須創造出新的造形式樣,因此,對當時的建築、工業產品、家俱等均採用以曲線為主體的自由藝術式樣,以別於傳統式樣,其曲線大多為細長而捲起的蔓草模樣或花卉、鳥獸、藤鞭似的型態,再配以華麗的色彩,此種以象徵和浪漫的手法為主導,採取生動優美的浪漫形線條的表現手法塑造出一個全新的造形風格,也使新藝術運動所製作的各類產品有著重裝飾趣味的傾向。 <近代設計史 六合出版社>
新藝術時期的曲線,有著韻律與自由的感覺
美術工藝運動時期的櫥櫃,具有哥德式風格‧
新藝術運動在各國的發展
沒有一種藝術像新藝術(Art Nouveau)般,牽連如此眾多的領域;也沒有 一種藝術像新藝術具有綜合發展的新動向。新藝術涉及建築、工藝、繪 畫、應用美術等造形藝術,也和文學、音樂、戲劇有關,範圍實在很廣 泛。以法國、英國(蘇格蘭)為中心,廣及德國、奧地利、義大利、西班 牙、比利時、美國...,等等,許多地方在短期間內都出現這種傾向, 所賦予的名稱也不盡相同。新藝術是最後被保留下來的名稱,因此而定 名。19世紀,許多藝術造形仍維持舊有的形式,直到新藝術出現,人 們才開始追求新的藝術形式,這種新傾向迅速得到廣泛的理解與接受。
新藝術運動主要發展國家及代表者
德國
麥可索涅特 MichaelThonet(1796-1871)
彼得貝倫斯(青年風格) Peter Behrens(1868-1940)
法國
漢克特‧吉瑪德 Hector Guimard(1867-1942)
比利時 亨利維爾德 Henry van de velde(1863-1957)
霍塔 Victor Horta(1861-1947)
西班牙 安東尼高第 Antonio Gaudi(1852-1926)
蘇格蘭
查理斯‧雷尼麥金塔 Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
奧地利 奧托‧瓦格納(Otto wagner)
霍夫曼(Josef Hoffman)
莫瑟(Kolomann Moser)
奧布里奇(Joseph Olbrich)
(維也納分離派)
德國的新藝術運動
在德國,新藝術之曲線式樣的先驅者麥可索涅特MichaelThonet(1796-1871) 在新藝術運動正式展開之前約20餘年即已設計製作出有名的曲線形搖椅 和餐椅
其線條形態的特性和新式的生產方法,顯示出其為新藝術的表徵。他所設計的維 也納餐椅( Vienna cafe chair )造形簡潔優雅、經濟,自1859年問世以來廣 受人們的喜愛。
1860年他又設計曲木搖椅(Bent wood Rocker);它的線條表現揉合了Pictureseque Victorian line和the whiplash Art Nouveau line,強調的是整體的形態,而 非在表面裝飾上。 Thonet以機械技術應用於座椅的大量生產是在1830年, 他把塗敷膠水的木板條加熱成形,而後組合成座椅。他發現細木桿以蒸汽吹噴 而後彎曲,將不致像直紋理的木料彎成同樣形狀那樣地容易斷,此種發現比起1850年John Belter的專利技術在時間上還早20年。
Thonet的技術價值在於使未受技術訓練的工人能在裝配線式的生產下製作家具。 他為就近取材,在各地森林區設置工廠,並擴展成世界性的機構,二次大戰前, 它已銷售五千萬以上的餐椅,以後更以每年五萬的數目繼續行銷於各地。
比利時的新藝術運動
在比利時的新藝術運動裡,以亨利維爾德Henry van de velde(1863- 1957)和 霍塔Victor Horta(1861-1947)為運動中心人物,維爾德早年是位畫家,後來 受到了前拉菲爾派及莫里斯學說的影響,毅然放棄了繪畫,雖然莫里斯帶給他 的影響很大,但他並不讚同藝術與手工藝運動返回中世紀的主張,以及對工業 的厭惡,反倒是充分的應用工業所帶來的便利。
Velde進一步地研究機械的效能,他不久就了解機械所具有的效能可Velde進一 步地研究機械的效能,他不久就了解機械所具有的效能可以幫助我們獲得更多 更美好的物品,由機械大量生產之效能可以作為推廣近代實用美術的利器。在 尋求適合於當代生產作業之原則,Velde成功地設計出一種由各部份的均衡而 得到整體美的建築物、日用品和家具。 (圖16) 他認為這樣所達到的和諧美, 使一切裝飾成了多餘而無用, (圖17) 他並認為無論使用何種裝飾均應證明其 有存在之理由及重要性,這種理論更進一步地對一些日用品產生了一種既高雅 又簡潔的新造形式樣,逐漸為一些富有創造力的藝術家和企業家所接受,而將 此種理論應用於工業生產方面。
另一位中心人物霍塔(Victor Horta),他以一種大膽且充滿弧線的造型來表達 他的設計,其弧線偏向漩渦的樣式並向外律動,他最著名的作品是在1892年於 布魯塞爾的塔雪爾旅館(Tassel Hotel),此建築的外觀極為樸素, 主要的特 色在於鐵窗上的弧狀條紋,室內則採用華麗的新藝術設計,欄杆上的裝飾、屋 頂的拱形設計與迴旋狀的樓梯彼此之間相互輝映,整體造型非常一致,此棟建 築物被視為比利時新藝術運動的里程碑。 (圖20) 霍塔對於細節的部分如手把、 吊衣架等也十分著重於精密設計。
法國的新藝術運動
新藝術在法國的發展趨向於高度裝飾性風格,廣泛應用在各種流 行上,
提供設計師更多的自由來探索裝飾色彩應用和造型上的設 計,因此,一
系列奢侈豪華的物品和建築物在這時期就被創作出 來了,這現象顯示出
新藝術運動在法國奇特的發展情況。
在法國的新藝術運動中,代表者為漢克特‧吉瑪德(Hector Guimard) 他從
90年代末起轉向新藝術風格的設計,直到1905年的這段時間是 他設計的
黃金年代, Guimard的設計特點是喜歡在建築上使用自由 流暢的鐵件飾
品,最著名的作品是1900年法國巴黎市地鐵車站的設 計,從入口、欄杆
、號誌、支柱和燈光設計在造型及細節方面反映 出一種整體的協調美感。
Guimard的室內傢俱設計上強調統一性,從室內到傢俱、把手、門鎖等, 關注到環境的每一個細節,並如同地鐵站設計般採用流動性的動感線條。
西班牙的新藝術運動
西班牙新藝術運動的代表者為建築師安東尼高第(Antonio Gaudi),他在建築上的設計極度誇張且充滿戲劇性,巴塞隆納的米拉公寓 (Casa Mila BUILDING 1905-1910)是他的代表作。
他所設計的傢俱也如同他設計的建築具有誇張的波浪起伏及強而 有力的曲面線條。
蘇格蘭與奧地利的新藝術運動
當我們作一全面性的觀察時,將會發現:新藝術和曲線的關係十分 密切。不過 有些線條很複雜,尤其是新藝術運動的後期,走向簡潔 但抽象的方向發展,可 視為一種直線樣式而不屬於曲線,代表者為 蘇格蘭建築師查理斯‧雷尼麥金塔 (Charles Rennie Mackintosh)和奧地 利的維也納分離派(Vienna Secession)。
查理斯‧雷尼麥金塔(Charles Rennie Mackintosh)他的室內裝飾及傢俱常 以白色為基調,(圖33)時用材料的原色,麥金塔的設計極注重各部分的統一性
麥金塔早期作品還可看出些許新藝術運動廣泛風格特徵的那種富有表現力的 曲線造型細節。
後期的作品則趨向了純粹幾何的設計,造型簡潔、線條流暢,作品中常能顯 現出由簡單主題重複使用所形成的韻律美,連綿重複的豎線條成為他作品之 中最具個性的形態特徵。
無論是室內裝飾還是傢俱,只有有力的橫線條統貫全局,明朗而富有韻律。 麥金塔的設計對維也納分離派產生了最大的影響。
維也納分離派的核心人物為奧托‧瓦格納(Otto wagner)、霍夫曼(Josef Hoffman)、 莫瑟(Kolomann Moser)和奧布里奇(Joseph –olbrich)等四人,他們倡導與過去 學院派分離出來,以追求個性的創作精神,他們的設計風格在於追求自然形態的 抽象表現,簡潔與幾何的造型,且表面極少加以裝飾,造成純粹簡單的幾何表現, 使維也納分離派與新藝術運動中自然題材的裝飾趣味相去甚遠。
新藝術運動(Art Nouveau)在許多方面的主張和藝術與手工藝運動 (The Art & Crafts Movement)相似,認為回歸自然才能找回藝術形式創造的真正 靈感,在於追求一種新時代的藝術風格,新藝術運動最終走向了追求幾何風格的 裝飾藝術運動(Art Deco)。
參考文獻:
.設計概論 佐口七朗編著 藝風堂
.工業設計史 盧永毅.羅小未著 田園城市文化事業
.近代設計史 李玉龍著 六合出版社
.現代設計史 ANN FEREBEE著 吳玉成譯 胡氏圖書
.設計史 李新富審訂 藝風堂
.新設計史 李玉龍.張建成譯 六合出版社 原著:FELICE HODGES
.比利時19世紀新藝術展 台灣省立美術館編印
.1000CHAIRS Charlotte & Peter Fiell TASCHEN
http://www.hdgr.org/fel/Student/Art%20Nouveau.htm
新工藝運動在各個國家表現形態及在設計史中的地位 中央美術學院人文學院 徐騰飛
十九世紀中葉,歐洲各國的資本主義得到長足的發展。技術革命已經完成,一個工業化大生産的高潮在英、法等先進國家出現,它推動了城市生活和社會結構的改變,從而帶來了新的社會思潮,引起審美觀的變化。勞動者、職員、中産的市民家庭逐漸成爲城市生活的主體,藝術所服務的對象也漸漸地轉移到了他們中間,從而受到他們的審美趣味影響。在英國有拉斐爾前派産生,而在法國和比利時則表現爲“新藝術運動”。“新藝術運動”的興起是時代的必然,在歐洲大部分國家廣泛發展,後來在中國也産生一定的影響。其在設計史上的重要地位也是不可埋沒的。
一、新藝術運動在各個國家的表現形態
新藝術運動在歐洲各國的性質和表現不盡相同,但也存在著一些共同的特色。比如他們通過藝術家集體的力量去探索現代工藝美術的語言,他們對反對傳統的風格,要以新的工藝美術形式表現出時代的特征。尤其是新藝術運動所帶來的影響和所形成的藝術特征更有相互一直的地方。
下面我列舉一下幾個國家,說明一下“新藝術運動”在各自國家的表現形態。在介紹的內容方面有所側重,由于法國是“新藝術運動”的發源地,所以介紹的內容比其他國家相對詳細一些。
法國是“新藝術運動”的發源地,“新藝術”(Art Nouveu)本是巴黎一家商店的名稱,由出版商薩穆爾▪賓(Samuel Bing)1895年12月創立,是在仿效威廉▪莫裏斯設計事務所的基礎上開設的,取名“新藝術畫廊”,(The Gallery De I’ art Nouveu)。雖然名稱是“新藝術畫廊”,其實主要經營和展覽風格新穎的家具及室內陳設用品。“新藝術運動”在十九世紀末就初見端倪,1900年的巴黎世界博覽會爲“新藝術運動”提供了強大的展示舞臺,從那時候起“新藝術運動”在法國持續二十余年,並影響到其他國家,因而,我們稱法國是“新藝術運動”的發源地。
法國的“新藝術運動”的發展主要有兩個中心:巴黎和南錫(Nancy)。南錫主要集中在家具設計上,而巴黎則包羅萬象,涉及領域非常廣泛,包括家具、建築、室內、平面設計等。在巴黎,最主要的代表人物是建築師格裏馬爾。他爲巴黎許多建築以其出色的很多相當精美的裝飾,其中最出色的是巴黎地下鐵路的出入口站,一共有141種不同圖案。他還爲卡斯第爾.布拉齊旅店設計了一扇非常出色門,上面的圖形變化莫測,線條優美,更是體現了新藝術的風格。在南錫,玻璃工藝家加萊是個十分重要的人物,以他爲核心有南錫派的工藝美術聯盟。他的玻璃器皿,運用砂輪磨花、酸腐蝕、金屬鑲疊、金屬鏤嵌和吹泡等特殊技法,加工出來的圖案和花草昆蟲都流暢美觀,因而被成爲“玻璃玻璃鑲嵌細工”也不足爲奇。
具有影響的“新藝術運動”組織有“新藝術之家”、“現代之家”、“六人集團”等。
英國的新藝術運動是莫裏斯美術與工藝運動的繼續。在莫裏斯和拉斯金相繼謝世之後,他們的學生馬克默多建立了"新世紀藝術家協會",生産新穎的家具和裝飾品,成爲向"新藝術"的過渡。稍後,在格拉斯哥,出現了以麥金托什爲首的設計家集團。1896-1909年間,他們爲格拉斯哥的四家茶室進行了別出心裁的設計,風格簡練、明快。1909年建成的格技斯哥藝術學院新主樓,被喻爲英國第一所新藝術風格的建築。
比利時地處英國和法國之間,經濟和文化交流非常密切,英國工業革命對比利時影響很大,工業發展十分迅速。1859年,在藝術上比利時出現了一些基金的組織,如“二十人社”(Les Vingts)。“二十人社”由奧克塔▪毛斯(Octave Maus)領導,在比利時經常展出雷東、修拉、勞特累克、高更。凡高。塞尚等人的美術作品。
亨利•凡•威爾德是比利時“新藝術運動”核心人物
新藝術在意大利的“自由風格”,主要表現在建築設計方面,參加這一運動的建築師、設計師,分布在意大利一些大城市裏面,他們的創作大都與地區特色相練習,但新藝術在意大利新藝術發展中,一些期刊雜志的出版發行,起到了推進作用。都靈
新藝術運動在佛羅倫薩也得到了發展。佛羅倫薩是意大利中部的文化名城,這個曆史上藝術家雲集、群星璀璨的城市,建築物古香古色,已經形成獨特的建築格局。建築師喬萬尼▪米凱拉澤的作品很有代表性,他不受傳統的束縛,而是從中汲取爲新藝術有益的成分、參照文藝複興建築的典雅形式,充分運用優美、流動的曲線,裝飾建築物的內部和外觀。在傳統中融合了現代藝術的成分
奧地利新藝術的代表是"維也納分離派"中的工藝家和畫家們。他們有建築與設計家奧托▪瓦格納、霍夫曼、奧布裏奇,畫家克裏姆特、莫賽等人。奧托▪瓦格納爲首的維也納學派在新藝術運動的影響下形成了。奧托▪瓦格納早期從事建築設計,並發展形成了自己的學說,但在設計界的影響則是從1894年擔任維也納藝術學院建築系教授開始的。他早期建築風格傾向于古典主意,後來在工業時代技術的影響下,逐漸形成了自己的新的建築觀點。1895年,他出版的《現代建築》一書中,指出新結構和新材料必然導致新的設計形式出現,建築領域的複古主意樣式是極其荒謬的,設計是爲現代人服務的,而不是爲古典複興而産生的。在維也納藝術學院就職演說中,他說:“現代生活是藝術創造唯一可能處罰點:。”所有現代化的形式必須與我們時代的新要求相適應“。在《電代建築一書中,他對未來建築的預測是非常激進的,認爲未來建築”像在古代流行的橫線條他們設計的分離派陳列館、印刷廣告、裝飾畫等,主題上頗受象征主義影響。
德國新藝術運動是以"青年風格"出現的。它得名于1896年在慕尼黑創刊的《青春》雜志。年輕的設計家埃克曼、雕刻家奧布裏斯特是其骨幹。他們設計的綴錦、封面和各種美麗的花卉圖案,被廣泛地應用。此外,凡.德.維爾德和建築家貝倫斯在柏林方面以抽象的青年風格設計建築和建築裝飾。
西班牙的新藝術運動只限于巴塞羅那。建築師高迪和蒙塔列分別代表著兩種不同的風格。高迪以富有中世紀哥特藝術趣味的、簡化的曲線形,設計了離奇古怪的卡薩.米拉公寓和聖家族教堂,至今是西班牙人的驕傲。蒙塔列所設計的卡蘭塔音樂廳,代表了大陸風的曆史主義的新藝術風格。
新藝術運動在歐洲大陸“曇花一現”,但在中國的哈爾濱卻持續了30年。 哈爾濱的藝術運動建築數量居世界第三。早在上世紀二三十年代就有人將中央大街同柏林的菩提樹大街、東京的銀座大街、上海的外灘、天津的維多利亞(解放北路)大街相提並論,可見其影響之深遠。此次“修舊如舊”的改造原則基本保持了中央大街建築的歐式風格。中央大街整體改造完成,市民發現原來松雷商廈門前側面大廣告牌不見了,取而代之的是一堵造型新穎、別致的“假牆”。這是一堵“新藝術運動”牆,它與所依附的中央大街58號保護建築的前臉一模一樣。哈爾濱工業大學土木樓後樓就極有新藝術運動時期的風格,現在世界上已不多見。這是1920年的作品,希臘陶立克柱式,厚重的石礎,挺拔的柱身,柱身上勻稱的凹槽,中段柔美的牆飾,與底層陽剛形成對比。目前是一類保護建築。建于1927年的哈爾濱攝影社(現中央大街58號)就是世界“新藝術運動”建築風格的句號。
二、新藝術運動在設計史上的地位
新藝術運動在設計史上有是有重要意義的。“新藝術運動”實質上是英國“工藝美術運動”在歐洲大陸的延續與傳播,在思想和理論上並且沒有超越“工藝美術運動”。它主張藝術家從事産品設計,以此實現技術與藝術的統一。在具體的設計中,避免使用直線,注重從自然中獲得自然形式的運用,但還沒有從功能、結構、形式的統一上進行産品設計。在追求自然形式上,“新藝術運動”試圖擺脫任何古代亡靈,真正從自然中獲得啓迪,完全走向自然主意風格,強調自然中不存在直線和平面,在裝飾上突出表現曲線、有機造型,裝飾的構思主要來源于自然形態。藝術家在“師法自然”的過程中尋找一種抽象,把自然形式賦予一種有機的象征情調,以運動感的線條作爲形式美的基礎。
新工藝運動時期的建築裝飾的大膽實踐,至今對探索新建築發生潛在的影響。新藝術風格表現了19世紀末和20世紀初藝術家感到需要影響現代人生活的整個環境。這種風格當時不僅影響到工藝美術,而且還影響到建築、雕塑和繪畫。它是有意識地抵抗“循環論”,因而在工藝方面,如在陶瓷設計方面,爲獲自由的形式開拓了道路。良好地解決了藝術趣味同工業生産利益之間的沖突。與此同時,強調實用的主張,從建築擴大到陶瓷、玻璃、金屬器皿在內阿弟其他工藝美術,“形式服從于功能”的思想在各個領域表現日趨明顯,工藝美術發展階段也進入了造型簡潔、裝飾單純的形式,對後來的藝術形式影響甚遠。
參考書目及資料:
《工業設計史》 楊鋼主編 張懷強編著 鄭州大學出版社 2004
《外國工藝美術簡史》 張夫也著 高等教育出版社 2000
《西方現代設計藝術史》董占軍著 山東教育出版社 2002 第48、57頁
《工業設計史》 楊鋼主編 張懷強編著 鄭州大學出版社 2004
《20世紀意大利美術》 晨朋著 湖南美術出版社 2002 第2頁
《設計藝術教育大事典》:朱銘,奚傳績主編山東教育出版社 2001第143頁
《西方現代藝術史 繪畫•雕塑•建築》(美)阿納森原著 鄒德儂等譯 天津人民美術出版社1994 第75頁
CCTV.COM 科技頻道內容回顧——冰城石街(央視國際2004年04月29日 10:18)
http://baike.baidu.com/view/1260113.html?tp=0_00
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