安德魯•魏斯 維基百科
魏斯於2007年領取美國國家藝術獎（National Medal of Arts）
安德魯•奈維爾•魏斯（英語：Andrew Nowell Wyeth，1917年7月12日－2009年1月16日），又譯懷斯，美國當代重要的新寫實主義畫家，以水彩畫和蛋彩畫為主，以貼近平民生活的主題畫聞名，作品已被相當多的博物館、藝廊重視與收藏，包括了美國國家畫廊。
生平
魏斯出生於美國賓州的查得佛鎮（Chadds Ford），排行第五，是最小的孩子。由於他幼時體弱多病，所以他的父母親選擇讓他在家中學習，於是魏斯的藝術教育和繪畫啟蒙都來於他知名的插畫家父親，N.C.魏斯（Newell Convers Wyeth），他的一生沒有上過學校。
他最著名的畫作（曾被讀者文摘報導），是「克莉斯汀娜的世界」（Christina's World），於1948年完成。此圖畫出的是獨居的克莉斯汀娜•奧森（Christina Olson）在美國緬因州麥田中爬行的背影，因此圖所呈現的孤寂與堅強而讓世人倍受感動。
圖中的房子奧森之家（Olson House）今日已變成緬因州的旅遊景點之一。此畫有三乘四呎。當時畫中的克莉斯汀娜已有57歲。（克莉斯汀娜患有小兒麻痺，死於1969年） 此畫已成為美國的經典代表畫作之一，現由現代藝術博物館收藏。
目前以收藏魏斯作品為主的博物館是范士沃斯博物館（Farnsworth Museum）。位於緬因州的羅克蘭鎮（Rockland）。他的另一幅名作為「海邊的風」（Wind from the Sea）。
2008年1月16日，魏斯於美國的家中病逝，終年91歲。
魏斯與黑爾嘉
1986年的8月18日，美國時代雜誌以「秘密的模特兒」為封面標題，登出了魏斯以黑爾嘉（Helga）為模特兒的畫作，並引起關於魏斯的一些評論，原因是黑爾嘉是魏斯隔壁鄰居的看護（已婚），而這一批240幅的畫作是魏斯瞞著妻子貝西•魏斯（Betsy Wyeth）所繪畫，繪畫時間在1971年到1986年，也就是說，長達有15年的時間，這批畫作都藏在魏斯一個朋友家的閣樓上。畫作中有相當多黑爾嘉的裸體畫與肖像畫，畫面蒼白而且孤寂，深入人心，是魏斯在1969年克莉斯汀娜死後畫風的轉捩點。
據魏斯的說法，當時他瞞著妻子開始以黑爾嘉為模特兒繪畫的原因，是妻子相當不滿他上一個模特兒。
魏斯—美國寫實主義 懷鄉 水彩畫家
魏斯是二十世紀美國極受歡迎的水彩畫家，1960年左右他的作品紅遍世界各角落，他的繪畫非常精細，寫實能力達到頂峰，水彩的層次更是豐富。
魏斯出生于美國賓州的Chadds Ford。由於他幼時體弱多病，所以他的父母親選擇讓他在家中學習，於是魏斯的藝術教育和繪畫啟蒙都來于他知名的插畫家父親，他的一生沒有上過學校。出生於藝術家庭的魏斯，在繪畫理念上受父親的影響極深，但創作的手法與風格卻始終秉持著自己的意念。
他描繪美國鄉間自然風土人物的畫作，精緻逼真的寫實風格，表現了人與大自然的交流與調和，樸實的題材，引發人們懷念鄉土與自然的情思。
魏斯以其豐富的記憶和聯想，將生活中的片斷，化作令人感動的畫面。
魏斯的繪畫，往往透過鄉村小屋，山野鳥獸和樸實的小人物，表現存在於人類內心的孤寂感、哀愁以及懷鄉的感傷。出現在他畫中的對象──孤屋、老人和鳥獸，含有一股靜寂與淡淡的哀愁，洋溢著動人肺腑的詩意，充分表現出魏斯那種「從生活上最平凡的家常瑣事裏，追求最大的快樂與啟發」的人生理念。
作品欣賞:
01. 克裏斯娣娜的世界Christina's World, 1948.
安德魯魏斯於1948年畫的那幅《克裏斯娣娜的世界》。畫面上，是一個殘疾婦女克裏斯娣娜．歐爾遜 (Christina Olson)艱難地在草坡上向自己的房子爬去。克裏斯娣娜是畫家在他的避暑住處Cushing鎮上結識的一個貧苦、孤獨的殘疾女人。但是，畫家在她和她妹妹的生活裏看到了某種具有象徵意義的東西：艱辛、憧憬、奮鬥。
02: 海風 "Wind From the Sea," 1947.
書法家們喜愛看「線條」和「用筆」，或許會特別注意那被海風吹動的窗紗。
03. 戶主的臥室 Master Bedroom, 1965.
從室內傢具看來，這位戶主，可不是什麼財主。不過是平凡農夫家的主人。
04. 被踐踏的野草Trodden Weed, 1951.
生活在社會底層人們以及他們的艱辛，乃是畫家特別用心的主題。
05. 馬噶的閨女 Maga's Daughter, 1966.
這是畫家的愛妻。
06. 深秋Late Fall, 1981.
07. 藍色的冰雪Blue Ice, 1994.
08. 修長的樹枝Long Limb, 1998.
喜歡作詩填詞的網友們見了這幅畫，可能會來靈感了。草地上有一小片殘雪 - 冬天過去了，春天還會遠嗎?(這也是普通美國人比較熟悉的代表作之一。)
09. 滿天飛Airborne, 1996.
這是鵝毛？鴨毛？海鷗毛？
10. 坐在門坎上的克裏斯娣娜Christina Olson, 1947.
11. 遠處的雷聲Distant Thunder, 1961.
畫筆衹能捕捉可見之物。可是，畫家卻要把鼾聲畫出來?
13. 麥草堆Hay Ledge， 1957.
請用鼻子嗅一嗅。有不有鄉土氣?
14. 遠走Faraway, 1952
這個戴著浣熊皮帽的男孩，是畫家的小兒子Jamie。大概是淘氣了，一個人走到了一個離家很遠的野地。如今Jamie自己也是一個出色的畫家了。
15.夫妻倆Marriage, 1993.
辛勞的農夫與他的妻子共做豐收的甜夢。
其他作品：
http://tw.myblog.yahoo.com/canaan-land/article?mid=9673&prev=9677&next=9638
照相寫實深受美國懷鄉寫實畫家魏斯影響
紀念藝術大師安德魯‧懷斯
導語：美國20世紀最著名的寫實主義畫家安德魯‧懷斯(Andrew Wyeth)，於當地時間上週五在位於賓夕法尼亞西部查茲福特的家中去世，享年91歲。去世時，他安詳得宛如在睡眠中。
美國20世紀最著名的寫實主義畫家安德魯‧懷斯(Andrew Wyeth)，於當地時間上週五在位於賓夕法尼亞西部查茲福特的家中去世，享年91歲。去世時，他安詳得宛如在睡眠中。安德魯‧懷斯的作品彌漫著淡淡的憂傷情調，被認為反映了20世紀人與人之間的疏遠和孤寂感，頗具存在主義色彩。他的作品構圖、用色等等與1980年代中國國內崇尚的寫實主義風潮相合，眾多中國畫家從懷斯作品中汲取養料和靈感，懷斯作品成為許多中國藝術家繪畫的模仿藍本，甚至被模仿得一模一樣。
無法擺脫的『懷斯風』
懷斯出生于美國賓州，排行第五，是最小的孩子。由於他幼時體弱多病，所以他的父母親選擇讓他在家中學習，於是魏斯的藝術教育和繪畫啟蒙都來于他知名的插畫家父親N.C.懷斯。他的一生沒有進過學校。
懷斯拋棄了抽象表現主義，而開創了富有爭議的現實主義題材，賓夕法尼亞的山谷和緬因州的海岸線是懷斯作品中最常出現的風景。他肖像作品基調陰冷，通過灰色和棕色調，懷斯描繪了貧瘠的鄉村，訴說著美國在過去時代的嚴酷生活。過著清教徒般艱難生活的拓荒者，他們簡陋的木頭房子、乾旱的大草原、空曠的穀倉、飛旋的禿鷲、荒無人煙的海灘，描繪的是愛國主義者對於生命的抗爭和淒涼，以及新英格蘭移民對於建設自己國家所經歷的苦難和孤寂。
他不為美國『主流』藝術潮流和觀念所動，走的是『獨持偏見，一意孤行』的藝術道路。關於他的作品在當代藝術中地位的爭論不斷閃現，爭論包括他的作品使社會各階級之間的生活差距暴露無遺，他拒絕中產階級口味，作品表現了與中產階級趣味截然相反的地理學、教育學、社會學。
以安德魯‧懷斯為代表的「美國傳統寫實主義繪畫風格」，啟發了後來出現於20世紀七八十年代的美國照相寫實主義繪畫。懷斯的創作不僅在美國引起巨大的反響和激烈的爭論，而且還在20世紀70年代末和80年代的中國掀起了一股『懷斯風』。羅中立、何多苓、艾軒等等無不受他的影響，至今沒有完全擺脫。
不一定像照相那樣準確，懷斯創作的大量作品中傑出的是乾筆水彩畫，注意和強調的是現實性。
1948年的代表作《克莉絲蒂娜的世界》使懷斯成為家喻戶曉的寫實畫家。作品描繪的是患小兒麻痹症的克莉絲蒂娜‧奧爾森拖著身子，用腰部以下肢體在美國緬因州廣袤的玉米田中爬行的背影，所呈現的孤寂與堅強讓世人備受感動。『她像一隻蟹一樣。』懷斯生前回憶。對懷斯而言，她是一個高貴的、有尊嚴的模特，拒絕使用輪椅，寧願在污穢中生存也不願意被人撫養。圖中冷漠地高居於山坡上的房子奧爾森之屋今日已變成緬因州的旅遊景點之一。此畫已成為美國的經典代表畫作之一，現由美國現代藝術博物館MoMA收藏。
《克莉絲蒂娜的世界》中使用的繪畫技巧，懷斯稱之為『扁平畫法』，「常常，人們喜歡我畫的作品，可能因為太陽偶然照在窗的這一邊，是他們從未見到過的情景，他們可以完全按照自己的觀點理解。」
「我已經成為一個公眾的標杆，很多人都是這樣，」懷斯生前說，「成為公眾標杆我也很高興，因為這樣讓我有更多自由可以嘗試做得更好，我做什麼從來沒有人們想像中的那般高見，但說出來他們都不相信。」他不是一個實驗性的畫家，一些人卻試圖強調他作品中的抽象空間。懷斯對於這些強加的詮釋總是聳聳肩，轉身離去。他的作品簡樸，充滿著精神約束力。
2006年在費城藝術館舉行的懷斯回顧展在16周裏，吸引了17.5萬的觀眾。2007年，懷斯獲得國家金獎。1963年，懷斯成為首位獲得費城自由獎章的畫家。1990年，他成為首位入選英國皇家學院的在世藝術家，也是首位入選法蘭西美術院的在世美國藝術家。1988年，他獲得國會金獎。
懷斯（Wyeth，Andrew，1917～），美國畫家。1917年7月12日生於賓夕法尼亞州的哈茲福德。幼年隨父親學畫。1937年在紐約舉辦首次個人畫展，取得成功。他長於幹筆劃和蛋膠粉畫，作品繼承寫實傳統，又獨樹一幟，頗得人們心靈的共鳴和喜愛。作品多表現美國鄉村田園生活，造型準確，描繪細緻入微，具有超級寫實風格，同時又流露出感傷的情調。代表作《海風》、《克莉絲蒂娜的世界》（藏紐約現代美術館）等，色彩柔和，筆觸細膩，刻畫精細入微而又帶有感傷、淒涼和悲冷的情調。他是美國超級寫實主義繪畫的代表人物。1967年獲總統授予的自由勳章。他的畫風對中國80年代的青年油畫家產生了很大影響。
安德魯．懷斯是20世紀最著名、最傑出的畫家之一。他延續了曾以愛德華．霍伯(Edward Hopper)為代表的美國地方主義繪畫傳統．並啟發了後來出現於20世紀七、八十年代的美國照相寫實主義繪畫，他與抽象表現派畫家傑克生．帕洛克(Jackson Pollock)及雕刻家大衛．史密斯(David Smith)同為美國藝術界的代表人物，具有崇高的地位。
許多人嘆服懷斯高度的造型能力、逼真的寫實技巧、濃郁的美國情調，但懷斯認為他的畫裏有另一種內核——一種可以稱為『提煉出的抽象』。他通過自然的表面深入其中，並在作品中加進了自己的主觀理想和願望，成功地把客觀現實和主觀感受融合在一起，形成了具有深刻內涵的思考性藝術。同時，懷斯被譽為美國『懷鄉寫實主義(nostalgic realism) 』繪畫大師，因為他以寫實手法描繪他熟悉的鄉土景物，將視覺經驗加以想像的組織，有濃厚的鄉土色彩，創造出獨特的懷鄉寫實風格(何政廣，1996)。
一生經歷過美國現代藝術種種變化的懷斯畫風始終如一，他的創作完全是為了追求自己的境界，從不迎合風向或趨時附會。即使在第二次世界大戰後的20年，美國藝壇抽象畫的全盛時代，懷斯仍然堅守著他那獨特的寫實畫風，他不但未被抽象畫的洪流所淹沒，反而與第一流的抽象畫家齊名。懷斯的創作，不僅在美國引起巨大的反響和激烈的爭論，而且還在上世紀70年代末和80年代的中國掀起了一股『懷斯風』。影響了中國一代青年畫家。
世界藝術的多樣發展註定了人類的生活物質、精神產品的多樣化。在21世紀，藝術產品多樣化發展的今天，安德魯．懷斯獨特的寫實主義畫風在世界藝術舞臺上，仍顯示著其強大生命力。所以，在今天重溫這位曾影響了中國20世紀七、八十年代，世界寫實主義藝術發展方向的偉大畫家具有重大的意義。懷斯影響世界及中國畫壇的，不僅是其冷峻的寫實主義風格和繪畫技法，還有其堅韌不拔、不為潮流所動，以一顆平常心六十年如一日的，對自己創作風格的堅守。這難道不應該對正在發展的中國寫實主義畫家們有所啟示嗎？此外，懷斯畫風所表現的傳承性、創新性和作品中深邃的思想內涵，也都應為當代寫實主義畫家們借鑒。這正是本文的寫作目的所在。
本文擬從三個方面進行闡述。第一部分是對懷斯寫實主義風格的詮釋。其畫風主要表現為繼承性和獨創性。在美國傳統的寫實主義風格和歐洲文藝復興時藝術家的影響下，懷斯開創了獨特的寫實主義畫風，其特徵主要表現為人物和背景的完美融合、象徵和隱喻手法的巧妙運用、懷鄉寫實主義風格三個方面。第二部分是『懷斯風』在中國的傳入和發展。第三部分是懷斯寫實主義畫風對當代中國寫實主義美術發展的啟示。
一、安德魯．懷斯寫實主義繪畫的傳統性和獨創性
(一) 懷斯寫實主義繪畫的傳承性
安德魯．懷斯的繪畫在美國美術傳統中深深地紮下了根。懷斯的父親N．C，懷斯也是一位畫家，他是在受父親繪畫的啟蒙後，把天才和自我磨煉結合起來的畫家。作為畫家的經歷，大體限定於賓夕法尼亞州的勃蘭蒂瓦茵河谷，和靠近緬因州的庫茲新固海岸的田園地帶這兩個地方。儘管懷斯生活在那樣有限的環境中，但通過研究懷斯的大量作品及著作，仍可看出他對他所感興趣的歐洲巨匠，和美國美術前輩的作品，所具有的極為豐富的知識。
懷斯深知每位畫家與自己風格迥異之處。在他看來，諸如雷諾瓦和貝拉斯科等的色彩和筆法，有些過於打上歐洲的烙印。懷斯有意識地學得藝術上的真諦和技巧，是從學習義大利以及歐洲北部，初期文藝復興時期的巨匠們開始的。特別打動懷斯心弦的是那種明快感、結構感、質感，尤其是線條。在談及構圖的反差、光的反射時，懷斯論述說，他對文藝復興時期的巨匠比埃羅．德拉．弗朗西絲卡的作品特別上心。他第一次見到那種複製品是在少年時代。然而．使他得到更大的靈感的是，杜勒(Albrecht Durer)的乾筆水彩和波提切利(Sandro Botticelli)的作品，看到的纖細感與強勁感渾然一體的線條。N．C，懷斯曾給兒子以杜勒銅版畫的複製品。年輕的安德魯．懷斯深深地為其主題和技法所打動。可以說，這位德意志畫家是他最初的老師，是給與他乾筆畫示範教材的畫家。在懷斯意識中特別強烈地殘留著杜勒有名的素描《仔兔》和《芝草》(維也納阿貝爾提那美術館藏)。對後者，懷斯認為是『他的最高傑作』。懷斯的乾筆畫《草》(1942年)的靈感也是從那裏得到的。懷斯非常欣賞杜勒對細小物件和質感的描繪，不論是從感覺上還是從文字所表達的意義來說．都帶有一種質樸的彬彬有禮之感。懷斯依據這一觀察方法而創作的“海爾格”系列作品，已清楚地體現了這一點。
懷斯創作的大量作品中傑出的是乾筆水彩畫。與歷來流動的即興的水彩畫不同．乾筆水彩畫是為獲得具體細節的豐富感，而把筆中的水絞乾作畫。用乾筆將各種顏料重疊塗抹下去，那酷似織物的過程，隨著水彩厚度的增加，其內部就呈現出乾刷的層次。這織物的比喻，與畫家所用畫筆的動物毛、草的纖維、編織的頭髮有相象的地方。所以，以人物的頭髮為描繪重點的作品很多，例如《披肩大衣》、《跪拜》、《男侍者》、《花冠》、《波羅西亞人》等作品。懷斯注意到杜勒在《仔兔》這幅作品中，把精力放在小動物的頭部來精雕細刻，我們也不難看出懷斯本身的精力所在。從懷斯的這些作品中可看到與《仔兔》相似的自然感和穩重感得到淋漓盡致的表現。
給懷斯以重要影響的另一位畫家是波提切利。這位巨匠給了懷斯以繪畫的主題和技巧的靈感。在現代畫家中使用蛋彩的，還沒有超出懷斯的人，所以當懷斯運用這一古老的技法時，把目光指向文藝復興時期的繪畫是很自然的，於是波提切利的技法引起了他的注意。懷斯說：『考察以往的繪畫，我明白了像波提切利的《維納斯的誕生》，雖然使用的是帆布，但完成得十分出色。我也曾試圖用帆布繪製蛋彩畫，卻很不如意。帆布的彈性很討厭，使人煩惱。』懷斯所追求的是依靠構圖的純化，和圖像載體材質的硬度這兩方面，而獲得畫面的持久性。用蒸餾水和蛋黃加上乾燥的畫筆作出的蛋彩畫乾乾涸得很快。如果把這塗在木板上，不論在感覺方面還是在形態方面，都符合懷斯追求的圖像堅固性的意圖。
初期文藝復興時期的繪畫和波提切利的作品，給予年輕懷斯的影響，不僅在畫風方面，還在於人物形象具備的昇華了的屬性和意義。當看到《花冠》的雄辯感、端莊感時，立刻聯想到《維納斯的誕生》、《春》是很自然的。倒不是懷斯有意識地仿效波提切利賦予他的裸體畫以神話的、哲學的意義。在『海爾格』系列作品中，即使她不是女神，但也確實具有自然人格化的某種暗示。這裏有寓言一樣的力量，就是懷斯把平凡的事物化為偉大的寫照。
帶有強烈歐洲傳統意識的懷斯，同時也自認為是現代美國畫家。在美國傳統之流中，懷斯接受下來的，是作為形式的現實主義，和作為風景主題這一美國20世紀美術的主流。在懷斯的作品中，可以看出他的眼中感觸到了對現實的不安感、內省和孤獨等等。的確，他在考慮強烈追求獨立自主精神和天才的靈感時，懷斯又回到故鄉，並在那裏長期居住。
懷斯的作品，在美國的風景畫和風俗畫的廣闊視野中是不難捕捉到的。他的視點和背景地形以及表現素材的選擇方法．繼承了美國美術界兩位出類拔萃的前輩文斯洛‧霍默(Winslow Homer)和湯瑪斯‧埃金斯(Thomas Eakins)的風格。就場所而言，霍默居住在緬因州，埃金斯居住在賓夕法尼亞州，與懷斯基本相同。而且，霍默與埃金斯也和懷斯一樣，精于素描和水彩。
懷斯喜歡霍默的作品，尤其偏愛他的水彩畫。水彩畫不僅表現力豐富，而且其親切感、直率感，可以產生出預想不到的力度和情感。然而懷斯不僅是從顯著的成就，和創作方法上來理解霍默的真實價值。將兩者作品的主題相比較，就知道他們有許多共同點。特別是1870年左右，霍默曾多次創作的坐在草地上的人、橫穿牧場的人、目不轉睛地凝視地平線的人、專心於身邊瑣事的人。這些畫表現著年輕人的幻想，或初涉人生的艱辛，而呈現出的過度思慮的神態。霍默在35歲左右繪製了《正午》、《牧場的人們》等我們早已熟知的名作。而懷斯在35歲時，在《遠送》中重現了這些情境。此後，從兩者單純化了的風景畫，即霍默的《東北風》和懷斯的《風雪》中，也可以看出他們的對應。最後，在近景與遠景對置構圖的功夫上，他們二人的相似之處可以在霍默的《月的接吻》和懷斯的《月的瘋狂》中隱約出現的滿月上看到。兩者皆以畫家圓通的想像力產生出大膽的構圖。
如果說著裝的海爾格，能夠在霍默1870年以後創作的表現室內、外年輕女性的系列作品(例如：《黑板》1870年；《疲勞》1878年等作品)中找到關聯點的話，那麼完全脫去服裝、無遮掩、無一絲隱諱的裸體的海爾格，可以在埃金斯的作品中找到對應物。與霍默、懷斯不同，埃金斯是年輕時受過傳統美術教育的畫家。最初在弗拉德爾菲亞的賓夕法尼亞藝術院學習，接著於19世紀60年代末，在巴黎就學於傑羅姆等人門下。在這個時期，埃金斯依靠畫室裏的模特兒，繪製的各種姿態的素描力作。模特兒不是特定的人物，埃金斯的創作是毫無掩飾的、率直的，幾乎沒有矯揉造作和理想化、美化的意圖。他所關心的只是對質感、量感、形態、骨骼、和筋肉的表現。這種誠實的觀察和描繪成為懷斯和其後的現實主義畫家一貫遵循的要素。
然而，與埃金斯有所不同。懷斯不是直接把自身的肉體形象表現在畫中。畫家和物件間的無形紐帶，是通過凝結成的藝術作品表現出來的。懷斯向埃金斯學習的，是排除了作為性的特徵的傷感去率直地表現人生，著眼于把個體作為更大的真實去體現這一基點(常虹、龐開立，1990，p14)。
◎懷斯畫風的特徵
1、人物和背景的完美融合
懷斯認為人不僅存在於風景之中．而且能與風景融合在一起。懷斯在表現這種融合時依靠的是特定場所的一般化畫法上的抽象化和在人物的姿勢與凝視中表現出來的思考的純化來完成的。懷斯在主要的輪廓線上、純化了的質感和表現力上，以其豐富的筆觸，把焦點置於洗練的構圖感覺上。不一定像照相那樣準確．懷斯注意和強調的是現實性。作品的內在抽象化，在某種意義上可以說是超越日常觀察的美的意識的發現。與此同時，作品也表現了畫家向獨特思維的集中．這種融合是懷斯畫風的特徵。正因為如此，我們很難給懷斯的“克莉絲蒂娜”和“海爾格”等系列作品劃定某種範疇和定義。可以說，這些組曲是美國美術中古老的主題，即肖像畫、裸體畫、風景畫、風俗畫的交響曲(常虹、龐開立，1990)。
懷斯獨特的寫實主義和從表現媒介物引出的質感尤其能打動我們的感覺。為了達到人物和環境的融合統一，他常常在形式上使用相類似的筆觸。如畫原野的草．動物的皮毛和人的肌肉、毛髮等。在這方面．可以看到他傾向於年輕時代的丟勒的痕跡，同時也在無意識中把人類生命的活力與動物的本質聯結在一起。如在“海爾格”系列作品中，以垂發來強調裸體或穿著動物毛皮等把毛髮、動物毛皮作為重點刻畫物件的作品非常多。
懷斯擅長將人物和背景巧妙地結合。這裏說的背景包括戶外和室內空間。懷斯為使用不同的線和麵構圖，充分利用戶外和室內的有關事物。懷斯的風俗畫與一般的風俗畫有所不同，幾乎沒有考慮要說明的某種情節。沒注意要把故事、文學等內容繪入畫中。所以很少有表現人物的明確動作或某種活動的畫面。他所描繪的是比較廣泛的人性和面對死亡命運的人的形象。懷斯有意識地不描繪畫室，而是在自己家的室內或周圍的風景中放置人物，把他們融注到那裏。他認為比表現看到的事物更重要的是表現體會到的事物，並通過這種方式磨練技術。
1946年懷斯做蛋彩畫《冬》。作畫的前一年，安德魯．懷斯的父親就在一個丘對自身與社會現實的深層哲學思考，以及對人生的脆弱和短暫的悲歎。即使在對大自然永恆生命力的讚美中，也能體味到其中的悲劇意識和憂鬱色彩。
在從一定程度上反映著懷斯心靈深處無形苦痛的作品《克莉絲蒂娜的世界》中，我們就能領會到懷斯的這種創作心境。畫中描繪的是身患小兒麻痹症而致殘的少女克莉絲蒂娜，身穿粉紅色的衣裙在荒無人跡、雜草叢生的淒冷環境裏，無助而又蒼白地匍匐在草地上，正在艱難而渴望地向高居在山坡上、聳立於地平線上、孤寂而又冷漠的木屋爬去。少女抬著汗水淋漓的頭，淒慘地遙望著遠方孤立的家，在這滿目荒涼的土地上，用她那瘦削脆弱的胳膊，支撐著行動不便的身子。整個畫面荒蕪的大地占去了全畫的4／5，遠處的木板房和近景的荒草地，都是如此清晰地映入眼簾。空曠和孤寂的氣氛壓擠在少女的身上，形成一種淒涼和悲冷的情調，引起了崗對面因車禍身亡。那幅畫不僅表明他繼承了父親的畫風，也是他開始把人物和場所統一化的力作。那從丘崗上跑下來的少年的形象，是旋轉著的懷斯的姿態。手向蒼穹，靈魂出竅似地踉踉蹌蹌地行進著．那座丘崗，結果成了懷斯父親的肖像。他把那遼闊的背景與對父親懷念之情融匯在一起，虛無縹緲的丘崗的斜面，成了安德魯表現深刻的孤獨感的物鏡。
2、象徵和隱喻手法的巧妙運用
懷斯的作品寧靜，簡練和純粹是易於感知的，因為他常常在單純的背景下畫出孤寂的人。但透過表面的寧靜，你可以從一種失衡的姿態，一個突然的表情，一道凝固的光線，或者從裂開的牆縫中，感受到深藏不露的緊張、威脅和不安。這一切是由畫家對事物的特殊關注所引起的，這種關注把個人記憶、激動和隱私變成一種不可解說又不可解脫的情緒，變成一種隱喻和象徵，仿佛要在轉瞬間抓住永恆之物，要在尋常物件中研讀出神秘莫測的世界本質。
如果客觀地分析，我們可以肯定地說，懷斯與眾不同的獨特畫風，幾乎都是沉迷於他自己所認知的宇宙，而環繞在他周圍可以運用的，並不是一個有形物質的宇宙，而是一個屬於心靈的世界。因此他的畫中雖然是寫實景物，但卻充滿隱喻。正是這種隱喻和象徵，給我們觀者的幻想注入了活力，感動了我們的心靈。我們必須透視他的藝術，才能從表面現象中看出深沉的象徵意義，才能捕捉畫面所呈現的奇異特質和根本思想。
懷斯有些作品構圖奇特，出人意料，你常常能看到在充滿詩情畫意、神話色彩的畫面上，卻隱含著莫名的恐懼與憂傷。他的作品飽含深度的個體意識，和超現實的抽象性，呈現的是現代人的精神特徵，即個人被拋向世界時，依靠自己而不是依靠群體，來面對世界的精神矛盾(李方明，2003)。在懷斯的畫中，始終貫穿觀者深切的惻隱之心。在這裏，一種對人生坎坷的解讀，一種似夢非夢的現實，清晰地映照出殘酷的現實與畫家心理的現實。《克莉絲蒂娜的世界》是懷斯的代表作，同時也是懷斯成為一個真正的美國風格的著名畫家的標誌。
懷斯以安娜，克莉絲蒂娜‧奧爾遜、希莉‧埃裏庫森、卡爾，卡納及其夫人、海爾格，迪斯托夫等為模特，創作了大量作品。在克莉絲蒂娜的各種肖像上可以看到明顯的變化。其中有的甚至不像同一個人物。在其背後總有我們所體會不到的，不可思議的，但卻完全自然的關係，無言的但極美好的心靈的交流。肉體是不能逆時而永存的，但懷斯在這個主題中，卻發掘出了永遠進發著旺盛生命力的源泉。像克莉絲蒂娜死後，年青的希莉暗示著從死亡向某種新東西的轉生，是復活的象徵，海爾格也表現了卡爾、卡納死後，向人類生命力的回歸和延續。海爾格健美的容貌、沉著的舉止，和她歐洲人的後裔所生成的氣質．與這土地的暗褐色調，平緩伸展的慢坡地形，加以多半柔和的光線、綠色的草原和五彩繽紛的花環，表現出大地和人體中，孕育的生命力和再生的生機。
3．懷鄉寫實主義風格
懷斯嚮往美國鄉村田園的現實生活，他以對故鄉無限的眷戀之情，深情地描繪著美國鄉間的每一寸土地：簡樸的房屋、孤寂的海灘、芬芳的泥土、優柔的花草，到處彌漫著鄉土的深情與懷思。懷斯也因此被譽稱為『懷鄉寫實主義(nostaIgic realism)』繪畫大師(何政廣，1996)，或譯為『鄉情寫實主義畫家』(孫江甯，2004)。
懷斯20歲時便在紐約舉行首次個人畫展，他畫的風景水彩畫很快銷售一空，但他沒有像大多數藝術家一樣移居到大城市，而是一生住在故鄉，從不去旅行。他的作品多取材于身邊的景致和人物，這和他力圖在最簡單、最平凡、最直接的事物中尋找靈感，和醒悟本質的欲望相符。有人譏諷他是『摩登的原始人』、『地方主義者』。他對此回答說：「我的作品與我生活的土壤深深地結合在一起，但是我並非自然地描寫這些風景，而是透過它來表現我心靈深處的記憶和感情。」「我連身邊的寶藏都還沒有盡心探測，為什麼不應該在一個地方常住呢?」
懷斯最善於觀察身邊的印跡。透過斑駁的木窗看到起伏的荒原，古老的房屋內投下長長的陰影，皺紋爬過老人的臉頰……這些都深印在他的心裏。他用細膩而又極精煉概括的寫實手法，描繪鄉間的一草一木，描繪周圍的鄰居、朋友和親人，謳歌人與大自然的交融。他的每一幅作品，都在促使你同畫中的景物對話，讓你去發現深藏於那裏的隱喻和思想。
懷斯經常被那些能夠表現歲月流逝的東西所吸引。他喜歡用那些斷牆、破糊牆紙、穿舊的衣服、傾斜的水桶、籃子、廢棄的大車，來暗示光明易逝。這些靜物都不漂亮，但卻自然真實、親切純樸，在平凡中令人驚奇，發人深思。懷斯筆下的風景也很平常，卻有著濃郁的生活氣息。他很少畫春日和盛夏，而喜愛冬季和秋天的落葉。他的風景有著令人神往的力量，喚起人們對故鄉的懷戀和對逝去時光的回憶。那老人、孤屋、村婦、鳥獸和草木，和那神秘的縷縷斜陽的餘暉，仿佛在述說著宇宙中、天地間的平凡故事。那凝固了的空氣、靜寂的天籟之聲，與絲絲淡淡的哀愁，向世人展示了大自然和藝術家融合的傑作。
許多人在懷斯的畫前，都有一種與內心深處最原始的本能，和經歷過後的醒悟碰撞而產生的共鳴，這是因為畫家在這片並不大的範圍內，用心靈和智慧「開墾了自己的宇宙」。許多人嘆服懷斯高度的造型能力、逼真的寫實技巧、濃郁的美國情調。但懷斯認為他的畫裡有另一種內核——一種可以稱為『提煉出的抽象』。他通過對自然的表面深入其中，並在作品中加進了自己的主觀理想和願望，成功地把客觀現實，和主觀感受融合在一起，形成了具有深刻內涵的思考性藝術。
http://tw.myblog.yahoo.com/jw!sIB9tYaBFx40I4xqwPN5oA--/article?mid=5869
超寫實主義（Super Realism）
科羅斯（Chuck Close）/馬克（Mark），1978-1979壓克力‧畫布274×213
紐約：克爾特希‧佩斯畫廊收藏（Courtesy Pace Gallery, New York）
超寫實主義，亦稱作「照相寫實主義」（Photo Realism），1960－1970年代在美國興起的一種藝術運動，不論繪畫或雕塑，都呈現高度寫實的面貌。其創作方法主要是利用相機與照片或幻燈片進行創作。
源起與發展：
超寫實發生於普普藝術（POP Art）風行的美國1960年代，這類藝術家絕大多數是利用照片作為主要創作的媒介，而內容都多半是描寫都會生活與平凡事物，如汽車、街景、招牌、櫥窗等，從這點看來，超寫實主義是受普普藝術影響而發展的。而其取材於現實生活的具象寫實風格，也可視為是和二次大戰後蔚為風潮的抽象表現主義（Abstract Expressionism），以及1960年代興起的極限主義（Minimal Art）之反動。
更根本的源頭要從1840年照相術的發明談起，相片的出現對藝術界，尤其是畫家們起了絕對性的作用。首先是肖像畫家及風景畫家的任務與功用被大幅取代，攝影的高度發展，挑戰了傳統上畫家們自豪與獨享的「視覺再現」（to replicate the scenes they viewed）之地位與使命，藝術家被迫必須選擇不同的表現方式以適應這個時代；其次，自從照相術發明以來，有越來越多的藝術家們使用照片作為創作的靈感、參考或媒材，尤其在1960年代科技與商業高度發展、影像充斥的美國，藝術家直接利用照片創作也是自然而合理的。
利用照相以寫實的手法來反映現實的面貌，這是超寫實主義的正面意義。即使如此，1960年代末期隨著超寫實主義逐漸盛行，畫家們直接「抄照片」的作法仍招致許多不友善的批評。然而，不管如何，這類的藝術形式至今仍低調地存在並持續發展。
風格描述：
一、超寫實主義的藝術家們依賴相片作畫，甚至是模仿照片的效果，如代表畫家查克．科羅斯（Chuck Close, 1940－）其作品的創作都是大尺寸的人物頭像，極度細膩逼真，連照片中的景深與失焦的效果都忠實地呈現，完全不帶個人主觀情緒。
二、超寫實的作品要求高超的繪畫技巧，不帶個人情感，完全中立，畫面力求堅實嚴謹，像鏡面的反射，又有手工製作的氛圍。
三、藝術家用相機和照片收集影像資料與訊息。一旦準備好了照片（通常是幻燈片），畫家有便系統地將影像從照片轉換到畫布上，一般是投射在畫布上打稿、描繪，也有用傳統打格子等比例放大的傳統技法。雖然影像來源是照片或幻燈片，但超寫實的作品尺寸一般都比照片原件大得多。
四、超寫實的雕塑雖不是直接翻譯自照片，但精神上仍是絕對客觀、不帶個人感情的，技法上也是要求高度的寫實。大部分超寫實主義的雕塑作品主題都著重在人物與人體，並且常常採用真人翻模的手法以求逼真肖似。
http://hep.ccic.ntnu.edu.tw/browse2.php?s=192
寫實主義，展現美國的另一面2012-10-01《環球》雜誌
“我的願望和夢想是通過藝術展現事物美麗和美好的一面。這些作品展示了在這個殘酷的世界裡仍存在善良、真實和美好的東西。”
“有人可能會問：為什麼選擇寫實主義？我便會反問：為何要避開它？無論我們掘進一個怎樣的深度層次，‘現實’就是我們的存在之處。‘現實’是一個無底洞，讓我們去探索，去理解。”
帶著自己的《夜行神龍》，納爾遜•薩克斯與另外50位美國當代寫實主義畫家，9月14日將100幅代表美國寫實油畫最高水準的作品呈現在中國觀眾的眼前。這些作品的展出，將持續到11月4日。
美中油畫家聯盟主席保羅•麥科馬克在談到這次展覽的初衷時這樣說：“在此之前，當代美國寫實主義在中國鮮為人知。對大多數人來說，美國寫實主義是乏善可陳或根本不存在。悲哀的是，美國和其他國家包括中國在內的同行都認為，美國藝術是純粹的當代概念和抽象藝術。然而，這次在中華世紀壇世界館展現的100幅作品，提供給中國觀眾一次難得的機會，去觀賞和瞭解美國最好的具象和寫實主義藝術。”
這100幅作品，包括人物肖像、靜物和風景，其中以人物肖像，特別是女性肖像居多。生命的歡樂、煩惱與悲哀誠實地通過畫筆和畫布，編織出了一個麥當勞、好萊塢之外的美國。
《夜行神龍》表現了一個在夜晚出沒的女子，納爾遜沒有給出具體的說明，他希望觀眾能從作品人物的臉部表情及身體語言讀出更多的資訊：“那裡有一個小宇宙等待我們去發掘，去瞭解。我的藝術作品時刻提醒著人們：沒有身體，就沒有靈魂。”
曾經接受戴安娜王妃、教皇約翰•保羅二世、雷根總統、克林頓總統及帕瓦羅蒂等知名人士委託作畫的納爾遜，在去年夏季和冬季，被邀請到聖彼德堡的俄羅斯博物館及莫斯科帝國藝術學院舉辦個人展覽。當今在美國，只有兩位在世的畫家能于其中任何一個地方舉行展覽，他便是其中一個。
畫家約書亞•拉羅柯的《畫家妻子的肖像》吸引了畫展開幕當天最多的觀眾。這幅畫上，畫家的妻子露出十分恬靜的微笑，約書亞說，“這幅作品令我感到喜悅”。他說，作為一名藝術家，“我的願望和夢想是通過藝術展現事物美麗和美好的一面。這些作品展示了在這個殘酷的世界裡仍存在善良、真實和美好的東西”。
當然，殘酷的世界裡不可能只有善良、真實和美好，美國人的彷徨、衝突、失望等也通過畫家的手展現在了觀眾面前。《解救》就是如此，它表現了幾個10歲的孩子陷入泥淖被解救的圖景。
這幅畫的作者特雷莎•伊里亞德說，她15年前看到這幅圖景，就想著有一天能把他們畫下來。當真實去繪畫時，心裡仍然很矛盾，她希望這幅作品能夠反映出時間賦予人生的複雜性。
這種複雜也許跟特雷莎本人的經歷相關。她出生於德克薩斯州的一個小鎮，後來在堪薩斯大學獲得藝術設計學士學位。1976年，她被藝術學院的校長推薦，通過傾聽口頭描述作畫來幫助警方逮捕嫌疑人，並成為了一名法醫素描藝術家。
後來，她又陸續供職於達拉斯的幾家廣告公司，成為一名成功的自由插畫設計師，為很多知名的美國國內客戶設計作品。在這個過程中，她逐漸培養了自己的油畫愛好，作品開始受到全美各個博物館的關注。
美國的寫實主義，在很大程度上也與特雷莎一樣，有著極為複雜的發展歷程。在中國，寫實主義在過去的一個世紀裡受到重視並得到了發展，被列入很多大學和學院的必修課。但在美國，很長一段時間裡，它都被拋到一邊，不受重視。
二十世紀初的美國，光怪陸離的各種因素推動了藝術的構成，抽象的現實主義成為主流，而寫實主義被認為是過時的表現方式。儘管如此，在一些藝術院校和知名藝術家的畫室裡，寫實主義仍被實踐和傳授。
上世紀70年代末開始，對抽象的現代主義的文化批評漸起，因為觀眾們發現，某些概念原則已經走到了創作的極端，寫實主義重新受到人們的重視，有了復蘇的勢頭，一批新院校和畫室開始成立，越來越多受過良好寫實主義訓練的藝術家湧現出來。
正如麥科馬克所說，“現在，美國的寫實主義已經進入這樣一種階段，即技術的完善已經不能滿足發展的需要，內容再次變得重要，這是我們前進的重點。”
82歲的大衛•勒費爾呈現了一幅名為《謎》的自畫像，畫家自己從一個黑暗的背景中顯現出來，光變成了對照物，觀眾會從人物額頭上明亮的光逐漸把注意力轉移到調色板和畫筆上。這幅畫想要表現的主題是，利用光來捕獲即時性的時刻，是畫家最難嘗試的任務之一。
年事已高的勒費爾這次沒有隨著其他畫家一起來到中國。但他在解釋自己的畫時所說的，卻是對美國寫實主義最好的闡釋：“當我進一步深入瞭解繪畫的奧秘時，我發現繪畫是生活的一面鏡子。繪畫如同生活一樣，是一系列的連鎖關係。任何事物都有因果。”
資料：西方主要美術流派
新古典主義產生於十八世紀末十九世紀初的法國，與資產階級革命有關，它追求古代希臘羅馬的英雄主義精神，採用古典形式，體現理性和新制度，畫風古樸、莊嚴、典雅，強調線條的清晰和準確，追求形式上的完美。法國的大衛和安格爾是這一美術流派的傑出代表，前者的代表作是《馬拉之死》，後者則是《泉》。
寫實主義於十九世紀50年代左右起源于法國，代表畫家為庫爾貝，寫實主義反對僵化，堅持表現當代生活，往往以社會低層人物為作品的主人公，並心懷同情地描繪他們的處境。
印象主義十九世紀70年代興起於法國，強調準確地描繪畫家對客觀物件的光色關係的視覺感受，以色彩豐富、色調清晰明快見長，是歐洲繪畫在色彩運用上的一次重要革新，代表畫家為馬奈、莫内、德加、凡高等。
現代主義產生于二十世紀初，世界大戰給人們的心靈造成巨大創傷，工業化帶來的快節奏生活加劇了人們的緊張感，藝術開始追求繪畫語言的幾何結構和形體美感，開始於野獸派的馬蒂斯，到畢卡索這個集大成者，最後發展到二戰後，出現了以達利等畫家為主的後現代主義。
抽象表現主義二戰後直到二十世紀60年代早期興起的一種繪畫流派，往往具有反叛的、無秩序的，超脫於虛無的特異感覺。它是第一個由美國興起的藝術運動，標誌著西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約，代表人物是把“顏料”滴濺在畫布的傑克遜•波洛克。
http://news.xinhuanet.com/globe/2012-10/01/c_131883280.htm
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