李斯特有《匈牙利狂想曲》，埃乃斯庫有《羅馬尼亞狂想曲》，格什溫有《藍色狂想曲》，李斯特有《西班牙狂想曲》，德沃夏克有《斯拉夫狂想曲》。如今，蕭敬騰也有了自己的——《狂想曲》。
不是所有的灑狗血都能叫狂想曲，不是所有的抓狂、狂吠都叫狂想曲。狂想曲并不只是一種無拘束的瘋狂和狂歡。狂想曲除了需要具有奔放的情感之外，于音樂上來講，更重要的是擁有動聽的韻律和自由的演繹。狂想曲，既可以是以民間音樂為素材的變奏，也可以是變奏基礎上的史詩，同樣可以是搖滾與古典融合的跨界。它既可以是李斯特、格什溫，也可以是蕭敬騰。
但蕭敬騰的《狂想曲》，卻不是無邊界的亂狂亂自由。作為一張流行音樂專輯，《狂想曲》并沒有用過于多元和跨界的曲風，去轉移歌迷的專注視線，去淡化旋律和演唱的焦點。從本質上來講，《狂想曲》就是一張看起來很正常的流行唱片，但愈是正常的平臺，反而更容易突出音樂和歌手的不平常。
但正常卻并不意味著簡陋。相反，《狂想曲》同樣皮件是一張精致和華麗到爆的專輯。只不過，和通常意義上這個時代所謂的華麗專輯不同，蕭敬騰卻是將更多的精力，僅僅只是用在了演唱和演奏這些最本質的音樂環節上，用音樂來解決音樂的問題。所以，《狂想曲》它不玩空洞的概念，也沒有什么PS，更不會人工注入什么腎上腺素。它就是一張唱片，一張樂器實打實、歌聲實打實的唱片。
不像一般發燒人聲唱片注重的音場層次感，蕭敬騰在這張專輯里，則是深入樂隊、深入樂手，走到樂手之中去，甚至自己本人也擔綱了部分作品的鼓樂器錄制。這也讓整張專輯更像是蕭敬騰和樂隊融合后的演繹，而不僅僅只是歌手與伴奏樂隊的卡拉OK合成。所以，即使聽到這張專輯的人聲效果，可以類比發燒唱片，但這卻是一張人聲和樂器同樣飽滿、絕不空洞的唱片。它的發燒效果，來自于樂器和歌手情緒的互補、較勁和嬉戲，而不是硬件冷硬的發燒，卻是活人活的發燒，有溫度、有心跳，讓你無法冷靜，讓你全身發燒，而非僅僅耳朵發燒。更重要的是，蕭敬騰這種純粹人聲和現場化的發燒，甚至不需要什么真空管和膽機之類的硬件輔助，入門門檻極低，只要有一張正版唱片，無論是有源音箱還是森海塞爾耳塞，都能讓你燒起來。
首次擔任制作人，也讓蕭敬騰在新專輯里更懂自己。除了演唱外，創作、和聲、錄音、打鼓等方面的親歷親為，更讓蕭敬騰能夠與作品保持更好地緊密度。細節決定成敗，正是這種刻字個人化的細節，讓《狂想曲》這張專輯的密度更高，活性因子更多。
而在演唱方面，蕭敬騰則充分展現出自己的自由度。《只能想念你》中副歌段落，在極短的時間內就完成了真音和假聲的樂句過渡交錯，幾乎就像是兩個音域的歌手在對唱，而這對于很多歌手來講，往往都需要用拼貼才能完成。而《話不多》雖然是一首很硬氣的爺們流行歌，但蕭敬騰灑脫從容的處理，卻有一種類似于爵士的自由不羈，不是爵士也很爵士。同名主題曲《狂想曲》，則無論是大聲聽還是小聲聽，都有一種現場才有的風卷殘云感，即使在高音區，蕭敬騰依然馬步很穩，讓人手工皮件對他的音域潛力感到深不可測。與此同時，像《只能想念你》和《怎么說我不愛你》這兩首作品，蕭敬騰還將它們演繹得完全不聽不出來是蔡健雅和阿弟仔的作品，甚至和他自己創作的《好想對你說》等作品，就像一個整體。這對于一個歌手來講，其實就是一種演繹再加工的能力，是一種演唱風格決定音樂風格的能力。
《狂想曲》就像是一張插了電的不插電專輯，原音再現、歌聲純粹。《狂想曲》也是一張在錄音棚里錄制的現場專輯，音量開小就是Pub演出，音量開大就是萬人現場，但狂野卻不失控。《狂想曲》更是一張演唱演奏和錄音極其平衡的專輯，嫁衣精彩且合身，而作為樂隊主唱和領班的蕭敬騰，更是將流行的感性和搖滾的野性，表現得淋漓盡致。它還原了一張流行唱片應該有的本質，也還原了演繹的原生態和演奏的原生態。
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